1808
Dieses revolutionäre Meisterwerk markiert einen Wendepunkt in der europäischen Kunstgeschichte. Das Bild zeigt eine winzige, einsame Gestalt im Habit vor einer überwältigenden, fast abstrakten Leere aus dunklem Meer und einem riesigen, bedrohlichen Himmel. Friedrich bricht hier radikal mit der klassischen Tiefenperspektive; es gibt keinen schützenden Vordergrund, der dem Betrachter Halt bietet. Das Gemälde radikalisiert das Gefühl der existenziellen Einsamkeit des Menschen angesichts der unendlichen Natur und der göttlichen Schöpfung. Bei der Berliner Akademieausstellung von 1810 erglänzte es als Sensation und wurde prompt von Kronprinz Friedrich Wilhelm von Preußen erworben. Es gilt heute als eines der ersten modernen Bilder überhaupt, da es die Stimmung über die gegenständliche Erzählung stellt.
1809
Als direktes Gegenstück zum Mönch am Meer konzipiert, zeigt dieses düstere Gemälde den Begräbniszug von Mönchen, die einen Sarg in die Ruine einer gotischen Klosterkirche tragen. Umgeben ist die Szene von knorrigen, unbelaubten Eichen im dichten Winternebel, während der bleiche Sichelmond am Himmel steht. Das Werk ist eine tiefgründige Meditation über Tod, Vergänglichkeit und die Hoffnung auf ein Leben nach dem Tod, symbolisiert durch das architektonische Fragment und das kosmische Licht. Friedrich verwebt hier christliche Symbolik mit der unvergänglichen Natur, die den menschlichen Verfall überdauert. Auch dieses Bild wurde vom preußischen Königshaus gekauft und festigte Friedrichs Ruf als visionärer Denker unter den Malern.
1818
Dieses Gemälde ist zum ultimativen Sinnbild der gesamten Epoche der Romantik geworden. Es zeigt einen elegant gekleideten Mann von hinten, der auf einem schroffen Felsgipfel steht und auf eine endlose, im Nebel versunkene Gebirgslandschaft blickt. Die Rückenfigur zieht den Betrachter direkt in das Bild hinein und lässt ihn denselben erhabenen, aber auch isolierten Moment der Kontemplation erleben. Das Werk thematisiert das Spannungsfeld zwischen der Naturbeherrschung des Menschen und seiner gleichzeitigen Winzigkeit im Kosmos. Es transportiert ein Gefühl von Freiheit, Sehnsucht und Patriotismus, das typisch für das bürgerliche Selbstverständnis nach den Befreiungskriegen war. Die meisterhafte Komposition aus scharfen Kontrasten im Vordergrund und diffusen Lichtstimmungen im Hintergrund fasziniert bis heute.
1818
Entstanden kurz nach Friedrichs Hochzeit mit Christiane Caroline Bommer auf einer gemeinsamen Reise, strahlt dieses Bild eine für den Künstler ungewöhnlich helle und lebendige Atmosphäre aus. Drei Figuren – vermutlich das Ehepaar und Friedrichs Bruder – befinden sich an einem steilen Klippenrand, eingerahmt von zwei mächtigen Bäumen, die ein Herz formen. Der Blick öffnet sich auf die strahlend weißen Kreidefelsen und das weite, blau-rosa schimmernde Meer, auf dem zwei Segelboote gleiten. Neben der romantischen Liebeserklärung enthält das Bild auch politische Symbole: Die altdeutsche Tracht der Figuren galt damals als Zeichen für liberale und nationale Gesinnung. Das Gemälde balanciert meisterhaft zwischen einer intimen Nahaufnahme und der unendlichen Weite des Horizonts.
1823
Dieses dramatische Spätwerk, auch bekannt unter dem Titel Die gescheiterte Hoffnung, zeigt die Katastrophe eines im Packeis zerschellten Expeditionsschiffes. Gewaltige, messerscharfe Eisschollen schieben sich monumentartig übereinander und begraben die menschliche Konstruktion fast vollständig unter sich. Friedrich ließ sich von Berichten über zeitgenössische Nordpol-Expeditionen inspirieren, schuf jedoch vor allem eine universelle Parabel über das Scheitern menschlicher Hybris. Die Natur triumphiert hier eiskalt, gleichgültig und unerbittlich über den Entdeckergeist des Menschen. Zur Zeit seiner Entstehung wurde das Bild wegen seiner extremen Härte und Düsterheit vom Publikum abgelehnt und blieb unverkäuflich. Heute gilt es als eines der kraftvollsten und bildgewaltigsten Zeugnisse für das Ende der optimistischen Aufklärungsepoche.
